Las cuatro estaciones (en italiano: Quattro stagioni) es una serie de cuatro cuadros pintados por Giuseppe Arcimboldo en 1563, en 1572 y en 1573. Fueron ofrecidos a Maximiliano II Habsburgo en 1569, acompañados de Los cuatro elementos (pintados en 1566). Se acompañaron con un poema de Giovanni Battista Fonteo (1546-1580), que explicaba el sentido alegórico.
Cada cuadro está constituido por un retrato de perfil, compuesto de objetos que recuerdan la estación, alusivos, sobrepuestos en sentido de combinación simbólica con semejanza humana.
El Embarque para Citera es una historia de amor alegórica en su máxima expresión. ¿Qué mejor lugar podría haber elegido Watteau para los jóvenes amantes que Citera, la hermosa isla griega del amor?
Los historiadores siguen debatiendo si los peregrinos se dirigen a la isla o se preparan para partir. La mayoría se inclina por la partida. Sea cual sea el lugar, un grupo de parejas jóvenes disfruta de otra en la isla de densa vegetación.
La atención se centra en tres parejas en particular que ocupan el centro a la derecha. La pareja sentada está absorta en una conversación coqueta y la pareja de pie se prepara para ocupar su lugar en el barco. El último admirador ayuda al objeto de su afecto. Otras parejas felices suben al barco. Fíjense en los cupidos que revolotean alrededor de la embarcación, están entusiasmados con el viaje de los enamorados.
Este es un tema sobre el que he pensado y escrito muchas veces y sobre el que volveré pronto en este weblog. No solo me ha interesado como objeto de conocimiento, sino que capturó y condicionó gran parte de mi vida. Para abrir boca, este estimable análisis publicado en Jacobin.
En los años previos a la Gran Depresión, la Escuela Ashcan rechazó las normas del mercado del arte, optando por un realismo inspirado en la vida de los trabajadores portuarios, los vendedores ambulantes y las familias inmigrantes de las ciudades en proceso de modernización.
Aprincipios del siglo XX, muchos pintores occidentales trataron de realzar el mundo visual mediante la glorificación. Los retratos de políticos y miembros de la alta sociedad infundían orgullo a los sujetos adinerados, mientras que los paisajes y las obras narrativas contaban historias épicas en enormes lienzos. En Estados Unidos, la revolución industrial alteró el paisaje de todas las grandes ciudades con el rápido aumento de los rascacielos y la presión de los trabajadores sobre la piedra de afilar.
Los pintores burgueses no estaban preparados para retratar el desarrollo urbano y sus efectos en la gente corriente, pero un grupo de artistas de la clase obrera captó el espíritu de esta época yendo contra la corriente. Estos artistas, conocidos como Escuela Ashcan, se habían curtido como caricaturistas políticos durante el auge del periodismo de investigación. Trabajar en los periódicos les acercó a este entorno social en rápida industrialización, inculcándoles un sentido de presencia periodística. Sirvieron a la prensa como lo haría la cámara fotográfica unas décadas más tarde, llevando su arte del postimpresionismo al realismo documental.
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Dirigida por el influyente artista y educador Robert Henri, la Escuela Ashcan reunió a pintores de tendencias socialistas y anarquistas —como John French Sloan y George Bellows— y a pintores progresistas como George Luks, William Glackens y Everett Shinn. Su apodo se debe a una queja dentro de la publicación socialista The Masses, donde algunos de ellos trabajaban como ilustradores. Un miembro del personal se lamentaba de que los artistas publicaban demasiados «cuadros de latas de ceniza» (en inglés, pictures of ash cans), en referencia a sus representaciones poco sentimentales de la vida en la ciudad y de temas proletarios no tradicionales. Lejos de desanimarse, los artistas se identificaron positivamente con la crítica y el nombre se mantuvo.
Guy Demun se interesa por la pintura desde su infancia. Ingresó en las Bellas Artes de Toulouse en 1956. Allí brilló mucho e, impregnado de esta enseñanza, siguió trabajando para olvidar lo aprendido y encontrar su propio camino. Se abre para él un periodo de viajes por Europa y, en particular, por Italia y Alemania, con estudios notables en la Pinacoteca de Múnich sobre los pintores del siglo XV que admiraba…
Sus primeras exposiciones, entre 1962 y 1969, tuvieron lugar principalmente en Francia, en provincias y en París, donde participó varias veces en el Salón de Otoño. A principios de los años setenta conoce a una gran marchante, Marthe Pérignon, que le dio confianza y apoyo, y le situó entre los grandes (Bernard Buffet, Frantz Priking…). Guy Demun, tras casarse en 1959, se instala con su mujer y sus tres hijos (Eric, Nicolas y Eve) en la región del Var, en Tanneron, cerca de Cannes. Venderá y venderá muy bien sus cuadros y no dejará de aumentar el número de sus fieles coleccionistas y aficionados franceses y extranjeros.
Una vez inventado el tiempo, lo sabemos, sólo podemos escapar de él al negarnos a saber la hora. Un lienzo temprano de Cézanne titulado El reloj de mármol negro presenta un reloj con esfera sin manecillas, una imagen de atemporalidad. Un reloj sin manecillas no señala ninguna hora en particular y, al mismo tiempo, las señala todas. Un reloj desprovisto de manecillas constituye una imagen poderosa de la perspectiva favorable al poeta mientras su λόγος avanza y retrocede en el tiempo y nosotros permanecemos, atrapados en nuestra visión parcial de la realidad, con los ojos fijos en el momento que calificamos como «el presente». Mientras tanto no debemos ignorar el hecho de que la carátula del reloj sobre el cual Cézanne capta la atemporalidad, es de color negro: un acto de negación pictórica. (Anne Carson)
El reloj de mármol negro, c.1870 (The Black Marble Clock, c.1870 ), de Paul Cézanne
El Museo Thyssen-Bornemisza presentó en 2015 una exposición dedicada al pintor belga Paul Delvaux (1897-1994). De ella compartimos esta pequeña galería.
