Este es un tema sobre el que he pensado y escrito muchas veces y sobre el que volveré pronto en este weblog. No solo me ha interesado como objeto de conocimiento, sino que capturó y condicionó gran parte de mi vida. Para abrir boca, este estimable análisis publicado en Jacobin.
En los años previos a la Gran Depresión, la Escuela Ashcan rechazó las normas del mercado del arte, optando por un realismo inspirado en la vida de los trabajadores portuarios, los vendedores ambulantes y las familias inmigrantes de las ciudades en proceso de modernización.
Aprincipios del siglo XX, muchos pintores occidentales trataron de realzar el mundo visual mediante la glorificación. Los retratos de políticos y miembros de la alta sociedad infundían orgullo a los sujetos adinerados, mientras que los paisajes y las obras narrativas contaban historias épicas en enormes lienzos. En Estados Unidos, la revolución industrial alteró el paisaje de todas las grandes ciudades con el rápido aumento de los rascacielos y la presión de los trabajadores sobre la piedra de afilar.
Los pintores burgueses no estaban preparados para retratar el desarrollo urbano y sus efectos en la gente corriente, pero un grupo de artistas de la clase obrera captó el espíritu de esta época yendo contra la corriente. Estos artistas, conocidos como Escuela Ashcan, se habían curtido como caricaturistas políticos durante el auge del periodismo de investigación. Trabajar en los periódicos les acercó a este entorno social en rápida industrialización, inculcándoles un sentido de presencia periodística. Sirvieron a la prensa como lo haría la cámara fotográfica unas décadas más tarde, llevando su arte del postimpresionismo al realismo documental.
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Dirigida por el influyente artista y educador Robert Henri, la Escuela Ashcan reunió a pintores de tendencias socialistas y anarquistas —como John French Sloan y George Bellows— y a pintores progresistas como George Luks, William Glackens y Everett Shinn. Su apodo se debe a una queja dentro de la publicación socialista The Masses, donde algunos de ellos trabajaban como ilustradores. Un miembro del personal se lamentaba de que los artistas publicaban demasiados «cuadros de latas de ceniza» (en inglés, pictures of ash cans), en referencia a sus representaciones poco sentimentales de la vida en la ciudad y de temas proletarios no tradicionales. Lejos de desanimarse, los artistas se identificaron positivamente con la crítica y el nombre se mantuvo.
Un plato blanco, con flores rojas pintadas en los bordes, ocupa el centro de la fotografía. A los lados, cuchara, tenedor y cuchillo anuncian que la mesa está servida. No veo lo que hay fuera del cuadro, pero lo supongo: una jarra, un vaso, una servilleta, un salero. Hasta ahí llega la composición de la foto porque algo me impide extender la vista. El plato y los cubiertos reposan sobre un tablón negro que parece flotar y esa escena es inquietante. Ya no puedo apreciarlos como lo que son. Quiero entender qué significan.
Doy vuelta a la fotografía en busca de respuestas y leo: “María Gloria Holguín espera a su hijo Carlos Emilio Torres, desaparecido en Medellín en el año 2002”.
El retrato es el de una espera densa y profunda representada todos los días por María Gloria en el comedor familiar.
William Russell Flint was a Scottish illustrator and artist. Although he worked in all manners of media, he remains best known for his watercolors and his many depictions of the female body in muted, ochre hues, infusing his images with a studied sense of realism and a subdued hint of eroticism. Born on April 4, 1880 in Edinburgh, Scotland, his father was a lithographer who taught the young Flint from an early age. After graduating from the Royal Institute of Art in Edinburgh in 1900, he worked as a part-time medical and fiction illustrator. Flint went on to create many artworks for the publication The Illustrated London News, and also provided illustrations for editions of books such as The Cantebury Tales. His work is found in numerous private and public collections, including the Victoria and Albert Museum in London, the Whitworth Art Gallery in Manchester, and the Walker Art Gallery in Liverpool. Flint died in London, England on December 30, 1969 at the age of 89, a celebrated and successful artist with many collectors.
Guy Demun se interesa por la pintura desde su infancia. Ingresó en las Bellas Artes de Toulouse en 1956. Allí brilló mucho e, impregnado de esta enseñanza, siguió trabajando para olvidar lo aprendido y encontrar su propio camino. Se abre para él un periodo de viajes por Europa y, en particular, por Italia y Alemania, con estudios notables en la Pinacoteca de Múnich sobre los pintores del siglo XV que admiraba…
Sus primeras exposiciones, entre 1962 y 1969, tuvieron lugar principalmente en Francia, en provincias y en París, donde participó varias veces en el Salón de Otoño. A principios de los años setenta conoce a una gran marchante, Marthe Pérignon, que le dio confianza y apoyo, y le situó entre los grandes (Bernard Buffet, Frantz Priking…). Guy Demun, tras casarse en 1959, se instala con su mujer y sus tres hijos (Eric, Nicolas y Eve) en la región del Var, en Tanneron, cerca de Cannes. Venderá y venderá muy bien sus cuadros y no dejará de aumentar el número de sus fieles coleccionistas y aficionados franceses y extranjeros.
La contradicción de hacer visible lo invisible parece irresoluble en la pintura y así lo reconocía Magrite, por ejemplo. Kandinsky, sin embargo, pensaba que era posible mediante la abstracción, ya que el arte no tenía nada que ver con la realidad, salvo la interior. En ese sentido conectaba con algo tan remoto como las visionarias del siglo XII y los miniaturistas que intentaban reflejar esas visiones. Unas y otro estuvieron muy cerca, con sus círculos, colores e iridiscencias de hacer visible a Dios…
